DOI: 10.7256/2453-613X.2023.5.44211

EDN: IDKPZU

Abstract: The object of this study is the initial period of activity of the Saratov Conservatory; the subject can be called the pedagogical priorities of vocal teachers of this period under consideration. In the article, based on rare archival data, surviving printed evidence, and student memoirs, an attempt is made to restore the pedagogical priorities of the most famous and influential in the musical circles of Moscow and St. Petersburg, active participants in concert events of the Imperial Russian Musical Society: Mikhail Efimovich Medvedev - the first performer of the role of Lensky in the opera P. I. Tchaikovsky's "Eugene Onegin" and Alevtina Mikhailovna Paskhalova, who embodied the image of the Snow Maiden in the opera of the same name by N. A. Rimsky-Korsakov. The scientific novelty of the study includes the fact that the author identifies and for the first time introduces into scientific circulation data on the pedagogical priorities of the most prominent vocal teachers who have made a significant contribution to improving the educational process of the department of academic singing. It is revealed that the pedagogical priorities of M. E. Medvedev and A. M. Paskhalova include: a fairly low type of breathing, increased attention to developing a sense of support for sound, a cautious attitude towards the development of the full range of the voice, the development of clear diction, evenness of sound production, smoothness of register transitions; soft sound attack; the ability to qualitatively vocalize various dynamic gradations of sound; the use of the “concentric” teaching method in the pedagogical process, increased attention to the education of the emotional and dramatic component of the performer’s personality. The analysis also showed that the features that distinguish the pedagogical views of the professors of the initial period of the Saratov Conservatory include the use of the repertoire of Russian composers in class work with a beginning singer.

DOI: 10.7256/2453-613X.2023.5.68840

EDN: AMRFRM

Аннотация: Жанр струнного квартета занимает важное место в истории отечественной и западноевропейской музыки. Его формирование начинается в творчестве Моцарта, Гайдна и Бетховена и проходит революционный путь от «приятной музыки для дилетантов» до серьёзного жанра, «рассчитанного на знатоков и профессионалов». В статье исследуется жанр струнного квартета на примере творчества Бетховена и Шостаковича в аспекте интонационных и тематических связей, а также параллелей творчества. Автор приводит примеры тематического, интервального, интонационного и фактурно-мелодического цитирования сочинений Бетховена в квартетах Шостаковича. Выявляется взаимосвязь Бетховена с русской культурой, в частности, в отношении работы с материалом русских песен в квартетах, написанных по заказу графа Разумовского. Раскрывается тяготение Шостаковича к творчеству Бетховена, близость его композиторского стиля и идей в отношении концептуальности, архитектоники, использовании музыкально-выразительных средств и склонности к динамическому натиску.  Методология исследования основана на анализе исторических материалов, музыкальных статей, концепций выдающихся историков и теоретиков музыки. Материалом стали партитуры струнных квартетов двух выдающихся авторов - Бетховена и Шостаковича. Основными выводами данного исследования является выявление тематических и смысловых связей между квартетами Бетховена и Шостаковича. Автор делает вывод о том, что Шостакович часто обращался к творчеству Бетховена, использовал его методы и приемы работы с материалом, структуру цикла, включал в свои квартеты аллюзии на темы, интонации и даже использовал целые фактурные отрывки из музыки Бетховена – и все это он преломлял через призму своего творческого стиля. Новизна статьи заключается в выявлении связи творчества Бетховена с русской музыкой, использование композитором мелодий русских песен в «Русских квартетах», а также интонационно-тематические параллели между квартетами Бетховена и Шостаковича. Кроме того, в статье раскрывается особая роль исполнителя в работе над квартетом как у Бетховена, так и у Шостаковича – этим подчеркивается сходство творческого процесса двух авторов – представителей разных эпох.

DOI: 10.7256/2453-613X.2023.5.69333

EDN: HNIUVC

Аннотация: Предметом статьи являются социокультурные и религиозно-философские взгляды крупнейшего французского тенора XIX века Адольфа Нурри (1802 – 1839). Его сценическая деятельность осуществлялась в парижском театре Opéra, а во время Июльской революции 1830 года он выступал с революционными песнями, поддерживая и вдохновляя соотечественников на борьбу за свободу. Рассматривая творческий портрет и революционно-агитаторскую активность Нурри в 1830-е годы, автор сосредотачивается на его приверженности идеям сенсимонизма, в частности, на стремлении к углублению религиозно-нравственной роли театра в обществе. Охарактеризовать духовные поиски певца позволяет опора на различные исторические свидетельства – доктринальные положения сенсимонистов, комментарии очевидцев, статьи в газетах, письма самого Нурри. Методологическая стратегия исследования заключается в опоре на социально-исторический и социокультурный подходы.  Большой массив исторических источников, привлекаемых автором, составляет литература на иностранных языках, работа с которыми предполагает лингвистические методы исследования. Сочетание различных подходов и опора на надежные исторические источники позволяет достичь научной новизны: Нурри впервые охарактеризован как певец Революции, наложившей глубокий отпечаток на его артистический облик, религиозно-нравственные воззрения и планы практической реализации. Новым для музыковедения является представленный портрет Нурри как адепта сенсимонистской идеи о священной миссии артиста и религиозно-воспитательной функции театра. В результате предпринятого исследования становится очевидна глубокая вовлеченность Нурри в социокультурную жизнь Франции, а его артистизм выделяется в особое художественное явление благодаря беспрецедентному эмоциональному воздействию артиста на современников. Материалы, наблюдения и выводы, изложенные в статье, найдут применение в историческом музыкознании и будут полезны современным оперным исполнителям.

DOI: 10.7256/2453-613X.2023.5.68958

EDN: HNWAIU

Аннотация: Объектом исследования данной работы является творческая и педагогическая деятельность голландского дирижера, композитора и педагога Пьера ван Хауве (1920-2009). Предметом исследования являются концептуальные основы его педагогической теории «Игра с музыкой», которая получила широкое распространение не только в европейских странах, но и странах Южной Америки, Африки и Азии. Авторы статьи подробно рассматривают особенности концепции П. ван Хауве, основы которой строятся на элементах системы Золтана Кодая, получившей распространение в Венгрии, и методе музыкального воспитания Карла Орфа, с которым П. ван Хауве познакомился в Зальцбурге. Особое внимание уделяется методическому изданию «Игра с музыкой» («Spielen mit Musik»), где П. ван Хауве поэтапно изложил свою концепцию, сопровождая конкретными рекомендациями для педагогов. В ходе исследования использовались теоретические (анализ, синтез и др.) и эмпирические (сравнительно-исторический, структурно-типологический) методы исследования. Основные выводы исследования: педагогическая деятельность П. ван Хауве оказала большое влияние на развитие музыкального образования не только в Нидерландах, но и в других странах мира. Его концепция «Игра с музыкой» («Spielen mit Musik») объединила в себе элементы образовательных систем двух выдающихся педагогов ХХ века – З. Кодая и К. Орфа, вследствие чего стала закономерным продолжением развития европейской музыкально-педагогической мысли. Особым вкладом авторов статьи в исследование темы, отражающим его новизну, стал подробный анализ методического издания «Spielen mit Musik» («Игра с музыкой»), на основе которого была выявлена сущностная взаимосвязь идей П. ван Хауве и его предшественников. Также впервые в отечественном музыкознании более полно раскрыты факты биографии музыканта.

DOI: 10.7256/2453-613X.2023.5.68919

EDN: HKRADS

Аннотация: Объектом осмысления являются работы известного саратовского музыковеда, профессора, доктора искусствоведения А.И. Демченко, опубликованные в 2022 и 2023 годах. Монографии, посвящённые наследию русских композиторов XIX–XX веков, демонстрируют интегративный подход, характерный для многих изданий этого учёного. Творческие фигуры М.И. Глинки, С.В. Рахманинова, И.Ф. Стравинского, С.С. Прокофьева, Р.К. Щедрина, А.Г. Шнитке соотносятся с историко-культурным контекстом эпохи, идеями, реализованными в разных видах искусства. Этот метод способствует выявлению в первую очередь мировоззренческих аспектов в каждой из авторских систем. С разной степенью подробности рассматривается широкий круг музыкальных произведений - в том числе хрестоматийных. Изложение материала в целом подчиняется хронологическому порядку. Принцип смысловой доминанты, реализованный в исследованиях, предполагает наличие в каждом композиторском стиле основополагающей установки, которая обеспечивает его уникальность. Труды А.И. Демченко вызывают несомненный интерес, прежде всего, с позиции авторского подхода, поскольку во главу угла поставлена не узко-теоретическая проблематика, а содержательная суть, семантический аспект художественного наследия. Опора на метод «концепционного анализа» - так определяет его сам учёный в более ранних работах - предусматривает подчинение всех технологических наблюдений, исторических сведений задаче раскрытия культурологических, общечеловеческих смыслов. Некоторые решения автора монографий вызывают сомнение. Недостаточно разработанным представляется вопрос иностранных влияний на стиль Глинки; роль урбанистских ассоциаций в «Весне священной» Стравинского, напротив, видится несколько преувеличенной. Высказанные замечания не мешают сделать общий вывод о продуктивности предложенных подходов и потенциальной востребованности представляемых работ в научной и учебной практике.